Яркие, впечатляющие росписи, триптих на потолке Ярославского вокзала к 50-летию начала строительства основного участка БАМа, квартал «5 элемент Аске» в Ростове-на-Дону, названный именем самого художника, студийные произведения из фанеры в технике мозаичного рельефа, масштабные панно, скульптуры. Все это – только часть многочисленных творческих экспериментов одного из идеологов и самых интересных художников «уличной волны» Дмитрия Аске, который уже больше 20 лет продолжает свой смелый путь в искусстве. Работы автора можно увидеть в самых разных городах России, на открытых пространствах и в галереях, в книгах о граффити, графическом дизайне и иллюстрации в стране и за рубежом.
В 2022 году работа Аске «Реальность 2.0, 3» с выставки «Реальность 2.0» (2016, Vladey Space, Москва, Россия) вошла в коллекцию Русского музея. Дмитрий также разрабатывал масштабные курсы лекций о стрит-арте и продолжает исследовать это направление, как и другие формы искусства. Он является резидентом платформы ХУДОЖНИКИ/ARTISTS – первой цифровой экосистемы для художников, дизайнеров, иллюстраторов и скульпторов в России, созданной при поддержке Президентского фонда культурных инициатив. IPQuorum поговорил с Дмитрием Аске о том, почему в студийной работе порой больше свободы, чем на уличных просторах, как развивается «роман» человека и технологий, что вдохновляет художника в советской эстетике и где найти точки опоры начинающим авторам.
— Дмитрий, вы начинали свой путь как граффити-райтер и были в авангарде, выходя за рамки традиционных представлений об уличном искусстве. Почему вы выбрали такой особенный и нестандартный подход?
— Я увлекся граффити в конце школы, а потом пошел учиться на графического дизайнера, поэтому вариант смешивать граффити с дизайном был достаточно очевидным. Мне нравилось и рисовать на стенах, и заниматься айдентикой, веб-дизайном и другими направлениями, пытаться делать что-то необычное, непохожее на творчество других авторов. Кроме того, в начале пути меня заинтересовали некоторые художники из Америки, Западной Европы, которые начали отходить от классических граффити шрифтов, вдохновленных рисунками 70-х – 80-х. Это было любопытно и свежо. Увлечение граффити, учеба и тяга к экспериментам сошлись в одной точке, а дальше я просто продолжил пробовать разные вещи и пришел к тому, чем занимаюсь сейчас.
— Вы помните свой первый рисунок? Каким он был?
— Я сделал его с одноклассником в Ясенево, под мостом, в месте под названием Узкое, где находится горнолыжный склон. Я рисовал шрифт, а мой приятель — персонажа. У меня даже есть фото этого рисунка, как и других моих первых работ. Почти все они были сделаны на Юго-Западе Москвы, где я тогда жил.
— Было ли для вас тогда увлечение граффити связано с каким-то юношеским романтизмом?
— Конечно. Сам формат рисования на стенах аэрозольной краской казался для подростка манящим и привлекательным, а баллончик – редким и ценным артефактом. На тот момент граффити считалось довольно необычным увлечением, не так много молодежи интересовалось им. В этом присутствовал элемент приключения: интернет-среда еще не была так развита, приходилось искать единомышленников, фото рисунков, краску, по крупицам добывать информацию. На своих лекциях я иногда рассказываю, что увлечение подростков граффити похоже на обряды инициации из древнего прошлого, когда человеку впервые нужно было применить свои способности на практике, скооперироваться с другими и сделать что-то важное вместе, оставив первый след в жизни. Подросток также оставляет краской свой первый творческий след на стене.
Фото предоставлено Дмитрием Аске, фотограф: Зоя Волкова
— Какие смыслы вам сейчас важнее всего транслировать? И как они менялись с годами?
— На протяжении всего своего творческого пути я задавал себе вопросы. Сначала — как я могу выделиться среди остальных, а потом, уже перейдя от шрифтов к портретам, композициям с персонажами, сюжетами, я сфокусировался на том, что считает зритель, что я хочу ему сказать. Постепенно в ходе этого творческого поиска и в целом в процессе взросления я пришел к тому, что мне как художнику хочется транслировать вдохновляющие, созидательные идеи, а не просто создавать приятные глазу изображения. Для меня важно, чтобы визуальная составляющая раскрывала смысловую и при этом была понятно максимально широкому кругу людей.
— А чем для вас отличается работа в городском пространстве и в мастерской?
— В городском пространстве ты рисуешь для абсолютно разных людей, поэтому здесь нужен определенный подход к композициям, сюжетам и так далее — это задает конкретные рамки. То, что я могу себе позволить, создавая картины для галерей и выставочных пространств, не всегда подходит для паблик-арта. И в том, и в другом формате есть свои преимущества и ограничения. В студии больше свободы в плане композиционных, сюжетных решений, зато в городе у тебя сразу появляется огромная аудитория, которая в любом случае обратит внимание на твою работу, как минимум из-за ее масштабов. Для меня одна сфера дополняет другую. В обеих я считаю важным, чтобы смысл шел рука об руку с изображением и чтобы они вдохновляли людей на какие-то созидательные действия или хотя бы просто поддерживали их, заряжали положительными эмоциями. Это тоже полезно и ценно.
— Смыслы и идеи всегда разные? Или есть некий лейтмотив, проходящий тонкой нитью через все ваши работы?
— Мне интересны отношения людей друг с другом и с различными цифровыми устройствами, интернетом и вообще всей информационной средой, которая нас ежедневно окружает. Порой мы уделяем этой среде гораздо больше времени, чем реальной жизни и живому общению. Я стараюсь воплощать в произведениях свои размышления на эту тему. Размышления о том, как люди общаются между собой и с теми технологиями, которые призваны облегчить их жизнь и привнести в нее новые способы коммуникации.
— На ваш взгляд, новые технологии больше помогают?
— Как и в любых масштабных процессах, здесь есть свои плюсы и минусы. У художников, благодаря развитию цифровых технологий, интернета, соцсетей, появилась возможность взаимодействовать с огромной аудиторией. Неважно, рисуешь ли ты на улице или занимаешься фотографией, дизайном. Если есть что сказать людям и ты знаешь как интересно подать свое творчество, можно привлечь множество зрителей. Говоря о потенциале сети, если человек знает, что ему нужно, у него есть доступ к огромному количеству ресурсов, на которых можно довольно быстро найти всю необходимую информацию. Однако люди, у которых нет конкретных целей и ориентиров, могут потонуть в этом информационном море. Кроме того, для многих интернет — просто развлечение и трата времени. Это отрицательный момент. У детей, подростков и молодых людей, которые дни напролет бесцельно проводят в сети, падает концентрация внимания, способность глубоко погружаться в какие-то вещи, потому что они в основном потребляют быстрый контент. Большой вопрос, какими станут дети, выросшие со смартфоном в руках, и как будет выглядеть мир вокруг нас, наполненный такими людьми. Взаимоотношения людей и технологий — широкая тема, за которой интересно следить. Это те процессы, которые происходят с нами и вокруг нас здесь и сейчас. Их отражение в работах затрагивает и меня как художника, и зрителей.
— Как вы относитесь к нейросетям и к тому, что многие дизайнеры в том числе активно их используют? Сейчас пока даже невозможно доказать, создал работу реальный автор или нейросеть. Не возникает ли у вас ощущения, что все смешивается, а творческая работа обесценивается?
— Я считаю, что искусственный интеллект — это просто дополнительный инструмент, интересный и разноплановый, в чем-то интригующий, полезный не только для художников, дизайнеров, но и вообще для людей совершенно разных профессий. Главное понимать, какие возможности есть у нейросетей, что они могут дать в каждом конкретном случае, как их применить, чтобы упростить процесс работы или улучшить ее и вообще — нужно ли их применять. Некоторым кажется, что им надо срочно вникнуть в тему, разобраться в нейросетях, что они упускают нечто важное, но даже не понимают, что и зачем. В шумихе, поднявшейся вокруг нейросетей, легко потеряться. И говоря о минусах, гуляя по улицам Москвы, я всегда считываю, какие рекламные изображения сгенерированы ИИ. Они могут быть даже не похожими друг на друга, но на всех виден определенный «почерк». Мне кажется, в какой-то момент эта история начнет надоедать людям, как и любой модный тренд.
— Впервые взяв в руки баллончик, вы рисовали по зову сердца. Сейчас у вас за плечами много больших заказных проектов, когда вас просили расписать жилые дома, общественные пространства. Хватает ли вам творческой свободы, работая на заказ? И как вообще выстраивается работа: вам полностью отдают идею на откуп или озвучивают четкие пожелания?
— Бывает и так, и так. Например, когда я в прошлом году делал с помощниками роспись потолка Ярославского вокзала, меня попросили, чтобы эта работа была приурочена к 50-летию начала строительства основного участка БАМ. Кроме тематики, больше не было никаких вводных, и я был волен интерпретировать ее, как моей душе угодно. Конечно, потом РЖД утверждали эскизы, но правки были минимальные. Не было точных пожеланий и в случае с ростовским кварталом «5 элемент Аске». Меня попросили нарисовать что-то понятное среднестатистическому жителю Ростова. Тогда один мой эскиз приняли сразу, а со вторым пришлось повозиться, но все равно у меня было достаточно большое пространство для творчества. А недавно я вернулся из Краснодара, где создал в одноименном парке работу «Чемпионы». Поскольку рядом с парком находится футбольная академия и учебный стадион, меня попросили, чтобы роспись была связана с футболом и выполнена в цветах команды Краснодара. То есть рамки были более узкими, но я все равно нашел что-то интересное для себя в композиционном плане, с точки зрения решения задач и того, как вписать графику в достаточно сложную основную поверхность. Возвращаясь к началу вашего вопроса, я и сейчас рисую по зову сердца, и если проект мне не интересен, сразу отказываюсь. К тому же мне нравится переключаться между персональными работами и проектами, созданными на заказ. Это помогает избежать рутины.
Фото предоставлено Дмитрием Аске, фотограф: Зоя Волкова
— И в росписи Ярославского вокзала к юбилею БАМа, и в парке «Краснодар», и в других ваших работах много отсылок в советской эстетике. Чем она вас привлекает?
— Масштабом, тем, что произведения монументалистов до сих пор можно увидеть по всей стране и они изначально разрабатывались так, чтобы вписываться в архитектуру, в городское пространство. Под каждое конкретное здание задумывалась конкретная работа. И еще меня привлекает, что их тематика была связана с тем, чтобы вдохновлять людей на какие-то свершения, объединять их на пути создания своими руками светлого будущего. Мне близок такой посыл, и, как я уже говорил, я стараюсь тоже на него опираться. Хотя, конечно, к некоторым графическим решениям и техническому исполнению многих работ советского периода есть вопросы, но я стараюсь фокусироваться на положительных для себя моментах и вдохновляться ими.
— Я знаю, что вы изучаете историю искусств. Какие еще эпохи, стили, авторы вам интересны?
— Я бы не стал называть какого-то конкретного художника, стиль или исторический период, потому что стараюсь оставаться любознательным и открытым. Конечно, в молодости ты жадно впитываешь максимум информации, изображений, искусства в различных формах, и это интригует, вдохновляет. Потом, когда становишься старше и у тебя уже есть насмотренность, ты многое видел, узнал, начинаешь глубже вникать в какие-то вещи, больше присматриваться, и порой наступает пресыщение. Иногда, когда я хожу по выставкам и не нахожу для себя ничего нового, интересного, я чувствую разочарование. Но тем ценнее и острее радость моментов, когда снова видишь что-то действительно стоящее. Это может быть как какой-то начинающий молодой художник, так и автор из прошлого, глядя на работы которого думаешь: «Как я мог это пропустить?»
— Есть ли в современном искусстве какие-то ярко выраженные тенденции?
— Когда я посещаю выставки в галереях или ярмарки современного искусства, складывается впечатление, что всё довольно размыто. Да, есть художники, которые выделяются на общем фоне, но их, к сожалению, не так много, как хотелось бы. Заметил такую тенденцию: многие работают в одном направлении, и если не знать имя автора, сложно определить, кто именно создал то или иное произведение. На мой взгляд, не хватает индивидуальности. Особенно это касается молодых художников – они черпают вдохновение из одних и тех же источников, что неизбежно отражается на их работах, в которых видны похожие визуальные решения и концепции.
Что касается содержания работ, они часто напоминают искусство потерянных людей – тех, кто не понимает своего места в жизни и цели своего творчества. Иногда смотрю интервью с молодыми художниками и слышу по разговору, что они не очень ориентируются в жизни. Рассказывают о депрессии, о том, что не знают, куда двигаться – и в бытовом, и в творческом смысле. Хочется обнять и сказать: «Соберись, все будет хорошо, сконцентрируйся – и все получится!» Иногда современное искусство не вдохновляет и не заряжает, а наоборот – дезориентирует зрителя. Непонятно, какой смысл вложен в работы, и часто они несут какие-то тревожные, меланхолические нотки. Я часто это улавливаю, и мне это не очень нравится.
— Что, на ваш взгляд, может помочь начинающему художнику сформировать свой индивидуальный стиль и найти свое место в искусстве, обрести какие-то точки опоры?
— Прежде всего, я всегда советую слушать свой внутренний голос и следовать за своими чувствами. Если что-то приносит удовольствие – копайте в эту сторону. По крайней мере, для меня это сработало. Важно не ограничивать себя одной сферой, даже если она тебе очень нравится. Искусство настолько многогранно и глубоко в разных своих проявлениях, что можно бесконечно изучать его, находя интересные вещи для собственной практики. Создать собственную шкалу оценки произведений помогает насмотренность. Исследуя, углубляясь, изучая разные проявления искусства, начинаешь понимать, что найдет отклик у зрителя, а что нет. Важно заниматься самообразованием и стремиться быть цельной личностью с полноценной картиной мира. Не стоит ограничиваться мозаичной культурой коротких роликов и поверхностной информации. Лучше учиться воспринимать знания более структурировано, стараться собрать пазл целиком, а не довольствоваться лишь несколькими его кусочками.
Фото предоставлено Дмитрием Аске, фотограф: Зоя Волкова
— Чем лично вам интересна педагогическая деятельность, лекции? Что это дает?
— Для меня это еще одна сфера деятельности, а чем больше их палитра, тем интереснее жить. Кроме того, лекции стали для меня хорошей практикой работы с аудиторией, позволили улучшить навык владения языком как в письменной, так и в устной форме. Особенно ценным оказалось структурирование накопленных знаний. Читая лекции о граффити и стрит-арте в галерее Ruarts, я смог разложить по полочкам свой многолетний опыт работы с печатными и онлайн-изданиями об уличном искусстве и даже открыл сам для себя какие-то новые вещи, доступно «упаковывая» информацию для слушателей. Резюмируя, преподавание дает три очень важных преимущества: новый опыт, возможность систематизировать свои знания и делиться ими с теми, кому они действительно нужны.
— Играет ли роль в продвижении художника удача или все-таки вся ответственность лежит на нем самом?
— Мне кажется, в большей степени все зависит от самого художника. Я на своём опыте убедился, что даже самые удачные стечения обстоятельств не принесут результата без трудолюбия и готовности использовать предоставленную возможность. Важно найти баланс между личной дисциплиной, мотивацией и трудолюбием, с одной стороны, и жизненными ситуациями, которые можно назвать везением – с другой. Всё начинается с настроя человека: если он решительно настроен что-то сделать, то добьётся своего независимо от везения или невезения. Кроме того, некоторых неудачи мотивируют ещё сильнее стараться и прикладывать больше усилий, что тоже может привести к успеху. Ведь существует как положительная, так и отрицательная мотивация.
— А что сегодня мотивирует вас? Это какие-то большие цели или вдохновение каждого дня?
— Мой основной мотиватор — это просто радость творчества, созидания, радость от того, что ты делаешь эскиз, и тебе нравится, каким он получился. С одной стороны, конечно, хочется новых масштабных интересных проектов, но когда у тебя их уже много за плечами, яркие впечатления от завершения каждого следующего притупляются. Тогда приходишь к тому, что основное вдохновение — это простые созидательные моменты. И меня очень вдохновляет семья. Со временем понимаешь: каких бы творческих высот ты ни достиг, слава проходит, люди об этом забывают, а семья остается с тобой и продолжает поддерживать.
— Вы говорили про чувство пресыщения искусством. А бывает ли момент пресыщения своей работой, когда хочется отключиться от нее полностью? Или же для вас отдых — это переключение между сферами деятельности?
— Конечно, бывает. Особенно когда долго работаешь над каким-то проектом, например, готовишься к выставке 9-10 месяцев — потом действительно хочется просто лежать и читать книгу в тишине. Такое случается, когда работа идет на разрыв, и нужно подготовить большой объем материала в сжатые сроки. Если же график плотный, но без надрыва, то смена деятельности или отдых на выходных вполне подходят. Но есть ещё один момент: иногда поступают настолько интересные предложения, что невозможно от них отказаться. Даже когда планируешь: «Закончу проект и поеду отдыхать с семьей», — вдруг поступает заманчивое предложение, и думаешь: «Все-таки классно было бы сделать. Отдохнем попозже».
Фото предоставлено Дмитрием Аске, фотограф: Зоя Волкова
— В разные эпохи существовали различные художественные сообщества, когда авторы объединялись по стилям и интересам. Есть ли они сегодня, интересны ли они вам или вы все-таки индивидуалист в творчестве?
— Я сто процентов индивидуалист в творчестве. Единственное, что, работая с крупными проектами, понимаешь, насколько важна команда, которая помогает тебе их реализовать. В этом плане нужно уметь общаться с людьми, уважительно относиться друг к другу вне зависимости от того, у кого какая роль. А что касается художественных сообществ, в целом они существуют, но я с ними не особо соприкасаюсь. Если говорить о граффити, там есть определённые тусовки и команды, где люди плотно взаимодействуют и дружат. В среде художников с уличным бэкграундом практически все так или иначе знакомы, общаются и пересекаются на фестивалях, но настоящих объединений практически нет. В сфере современного искусства бывают прецеденты, но как только художник добивается индивидуального успеха, общность обычно заканчивается, и более успешные начинают двигаться самостоятельно. Когда люди работают на энтузиазме, им проще объединиться, но как только появляются вопросы денег или возникают сложные договорные моменты, эти сообщества начинают раскалываться или вообще исчезают. Всегда есть проблема мотивации и присвоения результатов коллективного труда — людям сложно договориться, кто какую роль играл и кто отвечает за какую часть успеха.
— Платформа ХУДОЖНИКИ/ARTISTS называет одной из своих целей консолидацию художественного сообщества. Как вам идея и миссия этой площадки?
— Я думаю, это интересно. Площадка такого формата может быть полезна как художникам, так и зрителям. Если удастся собрать большое количество авторов и показать широкую палитру направлений, стилей и новых работ — будет здорово. Консолидация здесь скорее в формировании чувства причастности к чему-то большому, ведь художники, как и все творческие люди, чаще индивидуалисты. Когда каждый сидит в своей мастерской, нет ощущения общности и возможности посмотреть, что делают другие, обменяться опытом или просто вдохновиться чужими работами. Такая платформа может породить новые связи между художниками, зрителями, коллекционерами и кураторами. Для кураторов это особенно важно, поскольку они постоянно ищут новых авторов для проектов. Со временем, конечно, формируется определенный круг уже знакомых тебе художников, с которыми комфортно работать, но всегда есть потребность в свежих именах. Платформа позволяет легко найти новых художников и показать их широкой аудитории, что может вдохновить авторов и помочь им привлечь внимание к своему творчеству.
— Где сейчас фокус вашего творческого внимания? Что в ближайших планах?
— До конца года мне надо сделать порядка 35 картин для персональной выставки и осенью съездить в Ростов-на-Дону, нарисовать работу на торце здания. Пока до конца года это все мои планы, потому что выставка — такое событие, которое не терпит отвлечений и каких-то дополнительных проектов. Я уже подготовил контурные эскизы всех композиций, сейчас буду переводить их в векторный формат, а ближе к осени начну собирать в мастерской.
Автор Наталья МАЛАХОВА
